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Utente:Angelo.1961/Sandbox/Libro a fumetti

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Disambiguazione – Se stai cercando il mezzo artistico, vedi Fumetto.
Un formato comune di copertina di un fumetto mostra il numero di edizione, la data, il prezzo e l'editore insieme a un'illustrazione e una copia di copertina che può includere il titolo di una storia

Un libro a fumetti (comic book, chiamato anche comicbook)[1][2] o rivista a fumetti oppure semplicemente fumetto, è una pubblicazione che consiste in fumetti d'arte sotto forma di vignetta sequenziali giustapposti che rappresentano scene individuali.

I pannelli sono spesso accompagnati da prosa descrittiva e narrativa scritta, di solito dialoghi contenuti in nuvoletta emblematici della forma d'arte del fumetto. Comic Cuts è stato un fumetto britannico pubblicato dal 1890 al 1953. Fu stato preceduto da Ally Sloper's Half Holiday (1884), noto per l'uso di vignette sequenziali da svolgersi narrativa. Questi fumetti britannici esistevano insieme ai popolari penny dreadful popolari (come Spring-heeled Jack), alla carta di storia per ragazzi e agli umoristici Punch rivista che per prima ha utilizzato il termine "cartone animato" nel suo senso moderno di disegno umoristico.

Il primo fumetto in stile americano moderno, Famous Funnies: A Carnival of Comics, fu pubblicato negli Stati Uniti nel 1933 ed era una ristampa di precedenti fumetti umoristici striscia a fumetti, che ha creato molti degli espedienti narrativi utilizzati nei fumetti[3]. Il termine fumetto deriva dal fatto che fumetto statunitense era una volta una raccolta di fumetti dal tono umoristico; tuttavia, questa pratica è stata sostituita dalla presentazione di storie di tutti i generi, di solito dal tono non divertente.

Il più grande mercato di fumetti è il giapponese. Nel 1995, il mercato dei manga in Giappone aveva un valore elevato 586,4 miliardi di yen (US$ 6-7 miliardi)[4], con un fatturato annuo di 1,9 miliardi di libri manga (tankōbon) volumi e riviste manga) in Giappone, pari a 15 numeri a persona[5]. Nel 2020 il mercato dei manga in Giappone ha raggiunto un nuovo valore record di 612,5 miliardi di yen grazie alla rapida crescita delle vendite di manga digitali e all'aumento delle vendite di stampa[6][7]. Il mercato dei fumetti negli Stati Uniti e nel Canada è stato valutato a buon mercato US$ 1,09 miliardi nel 2016[8]. Nel 2017, il più grande editore di fumetti negli Stati Uniti è il distributore di manga Viz Media, seguito da DC Comics e Marvel Comics con franchise dei supereroi a fumetti come Superman, Batman, Wonder Woman, Spider-Man, l'incredibile Hulk e gli X-Men[9]. Le categorie dei fumetti più vendute negli Stati Uniti nel 2019 sono letteratura per ragazzi per ragazzi al 41%, manga al 28% e fumetti di supereroi al 10% del mercato[10]. Un altro importante mercato dei fumetti è la Francia, dove bande dessinée e i manga giapponesi rappresentano ciascuno il 40% del mercato, seguiti dai fumetti statunitensi con una quota di mercato del 10%[11].

Struttura

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Fumetto § Terminologia.

I fumetti fanno molto affidamento sulla loro organizzazione e presentazione visiva. Gli autori dedicano particolare attenzione ad aspetti quali l'impaginazione, la dimensione, l'orientamento e il posizionamento dei pannelli. Queste caratteristiche sono cruciali per veicolare in modo efficace i contenuti e i messaggi all’interno del fumetto. I componenti chiave dei fumetti comprendono pannelli, fumetti (noti anche come palloncini), righe di testo e personaggi. I fumetti generalmente assumono la forma di contenitori convessi che contengono i dialoghi dei personaggi e sono collegati al personaggio tramite un elemento di coda. La coda comprende un'origine, un percorso, una punta e un punto direzionale. La creazione di fumetti prevede diversi passaggi essenziali: scrittura, disegno e colorazione. Vari strumenti e metodi tecnologici vengono utilizzati per creare fumetti, incorporando concetti come direzioni, assi, dati e metriche. Seguendo queste linee guida per la formattazione, il processo si svolge con la scrittura, il disegno e la colorazione[12]. Negli Stati Uniti, il termine "fumetto" è generalmente utilizzato per i periodici di fumetti e l'edizione economica in brossura, mentre "romanzo a fumetti" è il termine utilizzato per i libri indipendenti[13][14].

Fumetti statunitensi

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Fumetto statunitense.

I fumetti come mezzo di stampa esistono negli Stati Uniti sin dalla stampa di Le avventure di Mr. Obadiah Oldbuck nel 1842 in copertina rigida[15], rendendolo il primo prototipo di fumetto statunitense conosciuto. I periodici di proto-fumetti iniziarono ad apparire all'inizio del XX secolo, con il primo fumetto di dimensioni standard che fu Funnies on Parade. Funnies on Parades è stato il primo libro a stabilire le dimensioni, la durata e il formato del fumetto moderno. Successivamente sono stati pubblicati Famous Funnies: A Carnival of Comics di 36 pagine di Dell Publishing come la prima vera e propria edicola del fumetto statunitense; Goulart, ad esempio, la definisce «la pietra angolare di uno dei rami più redditizi dell'editoria periodica»[16]. Nel 1905 G.W. La Dillingham Company ha pubblicato 24 strisce selezionate del fumettista Gustave Verbeek in un libro antologico intitolato The Incredible Upside-Downs of Little Lady Lovekins and Old Man Muffaroo[17]. L'introduzione di Superman di Jerry Siegel e Joe Shuster nel 1938 trasformò i fumetti in un'industria importante[18] e inaugurò l'età d'oro dei fumetti. L'Età dell'Oro ha dato origine all'archetipo del supereroe. Secondo lo storico Michael A. Amundson, i personaggi attraenti dei fumetti hanno contribuito ad alleviare la paura dei giovani lettori della guerra nucleare e a neutralizzare l'ansia riguardo alle domande poste dall'energia atomica[19].

Gli storici generalmente dividono la cronologia dei fumetti americani in epoche. L'età d'oro dei fumetti iniziò nel 1938, con il debutto di Superman in Action Comics n. 1, pubblicato da Detective Comics (predecessore della DC Comics), che è generalmente considerato l'inizio del fumetto moderno come è conosciuto oggi[20]. Si ritiene generalmente che l'età dell'argento dei fumetti risalga al primo revival di successo della forma di supereroe allora dormiente, con il debutto di Flash in Showcase n. 4 (ottobre 1956)[21][22]. La Silver Age durò fino alla fine degli anni 1960 o all'inizio degli anni 1970, periodo durante il quale la Marvel Comics rivoluzionò il mezzo con supereroi naturalistici come i Fantastici Quattro di Stan Lee e Jack Kirby e Uomo Ragno di Lee e Steve Ditko. La demarcazione tra l'età dell'argento e l'era successiva, l'età del bronzo dei fumetti, è meno ben definita, con l'età del bronzo che va dai primi anni 1970 fino alla metà degli anni 1980[23]. L'era moderna dei fumetti va dalla metà degli anni 80 ai giorni nostri[24].

Un evento significativo nella cronologia dei fumetti statunitensi si è verificato quando lo psichiatra Fredric Wertham ha espresso le sue critiche al mezzo attraverso il suo libro Seduction of the Innocent (1954). Questa critica ha portato al coinvolgimento della sottocommissione del Senato degli Stati Uniti sulla delinquenza minorile, che ha avviato un'indagine sui fumetti. Wertham sosteneva che i fumetti fossero responsabili di un'ondata di delinquenza giovanile e rappresentassero un potenziale impatto sulla sessualità e sui valori morali del bambino[25]. In risposta all'attenzione del governo e dei media, l'industria dei fumetti statunitense ha creato la Comics Magazine Association of America[26]. La CMAA istituì la Comics Code Authority nel 1954 e quell'anno redasse il Comics Code di autocensura, che richiedeva che tutti i fumetti passassero attraverso un processo di approvazione. Fu solo a partire dagli anni '70 che i fumetti poterono essere pubblicati senza passare attraverso il controllo della CMAA[27]. Il Codice è stato reso formalmente defunto nel novembre 2011.

Fumetti underground

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Fumetto underground.

Tra la fine degli anni 1960 e l'inizio degli anni 1970 emerse un'ondata di creatività in quelli che divennero noti come fumetti underground. Pubblicati e distribuiti indipendentemente dall'industria dei fumetti consolidata, la maggior parte di questi fumetti rifletteva la controcultura giovanile e la cultura della droga dell'epoca. I comix underground "riflettevano e commentavano le divisioni sociali e le tensioni della società americana"[attribuzione necessaria][28]. Molti avevano uno stile disinibito, spesso irriverente; le loro schiette rappresentazioni di nudità, sesso, volgarità e politica non avevano paralleli al di fuori dei loro precursori, le "bibbie di Tijuana" pornografiche e ancora più oscure. I fumetti underground non venivano quasi mai venduti nelle edicole, ma piuttosto in punti vendita orientati ai giovani come head shop e negozi di dischi, nonché per corrispondenza. I fumetti underground incoraggiavano i creatori a pubblicare il proprio lavoro in modo indipendente in modo da avere pieni diritti di proprietà sui propri personaggi[28].
Le avventure di Gesù di Frank Stack, pubblicato con il nome di Foolbert Sturgeon[29][30], è stato accreditato come il primo fumetto underground[29][30]; mentre R. Crumb e la troupe di fumettisti che hanno lavorato su Zap Comix hanno reso popolare il modulo.

Fumetti alternativi

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Fumetto alternativo.

L'ascesa dei negozi specializzati in fumetti alla fine degli anni 1970 creò e andò parallelamente a un mercato dedicato ai fumetti "indipendenti" o "alternativi" negli Stati Uniti. I primi fumetti di questo tipo includevano la serie antologica Star Reach, pubblicata dallo scrittore di fumetti Mike Friedrich dal 1974 al 1979, e American Splendor di Harvey Pekar, che continuò la pubblicazione sporadica nel XXI secolo e che Shari Springer Berman e Robert Pulcini adattarono nel film del 2003 American Splendor. Alcuni fumetti indipendenti continuarono nella tradizione dei fumetti underground. Mentre i loro contenuti generalmente rimanevano meno espliciti, altri somigliavano alla produzione degli editori tradizionali nel formato e nel genere, ma venivano pubblicati da società più piccole di proprietà di artisti o da singoli artisti. Alcuni (in particolare RAW) rappresentavano tentativi sperimentali di avvicinare i fumetti allo status di belle arti.

Nel corso degli anni 1970 la cultura della "piccola stampa" crebbe e si diversificò. Negli anni 1980, diversi editori indipendenti - come Pacific, Eclipse, First, ComiCo e Fantagraphics - avevano iniziato a pubblicare un'ampia gamma di stili e formati, dai fumetti di supereroi a colori, investigatore e fantascienza ai fumetti in bianco e nero. storie in formato rivista bianca del realismo magico latinoamericano.

Un certo numero di piccoli editori negli anni 1990 hanno cambiato il formato e la distribuzione dei loro fumetti per assomigliare più da vicino all'editoria non fumettistica. La forma dei "minifumetto", una versione estremamente informale dell'autoedizione, è nata negli anni 1980 ed è diventata sempre più popolare tra gli artisti negli anni 1990[31], nonostante abbia raggiunto un pubblico ancora più limitato rispetto alla piccola stampa.

Piccoli editori che pubblicano regolarmente titoli includono Avatar Press, Hyperwerks, Raytoons e Terminal Press, sostenuti da progressi nella tecnologia di stampa come la stampa su richiesta.

Graphic Novels

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Romanzo a fumetti.
 
The Centers for Disease Control and Prevention hanno pubblicato questa graphic novel didattica nel 2018 per impedire ai giovani di diffondere malattie infettive

Nel 1964, Richard Kyle coniò il termine "Romanzo a fumetti"[32].

I precursori della forma esistevano negli anni 1920, che videro una rinascita della tradizione medievale dell'incisione su legno da parte del belga Frans Masereel, dell'americano Lynd Ward e altri, tra cui Stan Lee.

Nel 1947, la Fawcett Publications pubblicò "Comics Novel No. 1", come il primo di una serie prevista di questi "romanzi a fumetti". La storia nel primo numero era "Anarcho, Dictator of Death", un racconto di spionaggio in cinque capitoli scritto da Otto Binder e disegnato da Al Carreno. È leggibile online nel Digital Comic Museum[33]. La rivista non raggiunse mai un secondo numero.

Nel 1950, la St. John Publications produsse il "romanzo illustrato" in formato digest, per adulti, It Rhymes with Lust, un riassunto di 128 pagine dello scrittore pseudonimo "Drake Waller" (Arnold Drake e Leslie Waller), del disegnatore Matt Baker e dell'inchiostratore Ray Osrin, pubblicizzato come "un romanzo originale" in copertina. It Rhymes with Lust è disponibile anche per la lettura online nel Digital Comic Museum[34].

Nel 1971, lo scrittore-artista Gil Kane e i suoi collaboratori applicarono il formato tascabile al loro "romanzo a fumetti" Blackmark. Will Eisner rese popolare il termine "graphic novel" quando lo usò sulla copertina dell'edizione tascabile della sua opera un Contratto con Dio e altre storie di case popolari nel 1978 e, successivamente, l'uso del termine cominciò ad aumentare.

Digital comics

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Fumetti digitali.

Dimensioni del mercato

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Nel 2017, la dimensione del mercato dei fumetti per il Nord America era di poco superiore a US$ 1 miliardo, con le vendite digitali stabili, le librerie con un calo dell'1% e i negozi di fumetti con un calo del 10% rispetto al 2016[35]. Il mercato globale dei fumetti ha registrato una crescita sostanziale del 12% nel 2020, raggiungendo un valore totale di US$ 8,49 miliardi. Questa traiettoria positiva è continuata nel 2021, con la valutazione annuale del mercato che è salita a US$ 9,21 miliardi. La crescente popolarità dei fumetti può essere attribuita al crescente interesse globale, guidato in modo significativo dagli sforzi di collaborazione tra diversi marchi. Queste collaborazioni sono finalizzate alla produzione di contenuti comici più coinvolgenti e accattivanti, contribuendo alla continua crescita del settore[36].

Comic book collecting

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Collezionismo i fumetti.

Gli anni 70 videro l'avvento dei negozi di fumetti specializzati. Inizialmente, i fumetti venivano commercializzati dagli editori ai bambini perché erano percepiti come intrattenimento per bambini. Tuttavia, con il crescente riconoscimento dei fumetti come forma d'arte e la crescente presenza nella cultura pop delle convenzioni sui fumetti, ora sono abbracciati da molti adulti[26].

I collezionisti di fumetti spesso mostrano una passione permanente per le storie dei fumetti, spesso concentrandosi su supereroi specifici e cercando di raccogliere una collezione completa di una serie particolare. Ai fumetti vengono assegnati numeri sequenziali e il numero iniziale di una serie di fumetti di lunga durata tende ad essere sia il più raro che il più ambito tra i collezionisti. L'introduzione di un nuovo personaggio potrebbe avvenire all'interno di un titolo esistente. Ad esempio, la prima apparizione di Uomo Ragno è avvenuta in Amazing Fantasy n. 15. Nuovi personaggi venivano spesso introdotti in questo modo, in attesa di un pubblico consolidato prima di lanciare i propri titoli. Di conseguenza, i fumetti che presentano l'apparizione di debutto di un personaggio significativo a volte possono essere ancora più difficili da individuare rispetto al numero inaugurale della serie indipendente di quel personaggio.

Alcuni rari fumetti includono copie dell'inedito Motion Picture Funnies Weekly n. 1 del 1939. Otto copie, più una senza copertina, sono apparse nel patrimonio dell'editore defunto nel 1974. La "copia a pagamento" di questo libro è stata venduta per US$ 43.125 in un'asta del Heritage nel 2005[37].

I fumetti americani di maggior valore hanno unito rarità e qualità con le prime apparizioni di personaggi popolari e duraturi. Quattro fumetti sono stati venduti per oltre 1 milione di dollari a dicembre 2010, inclusi due esempi di Action Comics n. 1, la prima apparizione di Superman[38][39], entrambi venduti privatamente tramite il rivenditore online ComicConnect.com nel 2010, e Detective Comics n. 27, la prima apparizione di Batman, tramite asta pubblica.

Aggiornando il prezzo sopra ottenuto per Action Comics n. 1, la prima apparizione di Superman, la vendita più alta mai registrata per questo libro è di US$ 3,2 milioni, per una copia di 9,0[40].
Errori di stampa, stampe promozionali di incentivi per rivenditori di fumetti e problemi con una distribuzione eccezionalmente bassa tendono ad avere un valore di scarsità nel mercato dei fumetti. I fumetti moderni più rari includono la tiratura originale di The League of Extraordinary Gentlemen n. 5, che il dirigente della DC Paul Levitz richiamò e spappolò a causa della comparsa di una pubblicità vintage dell'epoca vittoriana per "Marvel Douche[41]", che l'editore considerò offensiva[42]; esistono solo 100 esemplari, la maggior parte dei quali sono stati classificati CGC. (Vedi Fumetti richiamati per fumetti più spappolati, richiamati ed errati.)
Nel 2000, una società denominata Comics Guaranty (CGC) ha avviato la pratica dello "slabbing" dei fumetti, che consiste nel racchiuderli in spesse custodie di plastica e nell'assegnare loro un voto numerico. Questo approccio ha ispirato l'emergere del servizio di certificazione dei fumetti. Data l’importanza delle condizioni nel determinare il valore dei fumetti rari, il concetto di valutazione da parte di un’azienda imparziale, che non si impegna nell’acquisto o nella vendita di fumetti, sembrava promettente. Tuttavia, è in corso un dibattito sulla questione se il costo relativamente elevato di questo servizio di classificazione sia giustificato e se serva gli interessi dei collezionisti o si rivolga principalmente agli speculatori che cercano profitti rapidi, simili al commercio di azioni o di belle arti. La classificazione dei fumetti ha svolto un ruolo nello stabilire standard di valutazione, che le guide ai prezzi online come GoCollect e GPAnalysis utilizzano per fornire informazioni sul valore di mercato in tempo reale.

I collezionisti cercano anche le pagine delle illustrazioni originali dei fumetti, che sono forse gli oggetti più rari nel campo del collezionismo di fumetti. Queste pagine hanno una scarsità senza pari perché esiste solo una pagina unica di opera d'arte per ogni pagina stampata e pubblicata.

La creazione di queste pagine di opere d'arte originali implica uno sforzo collaborativo: uno scrittore crea la storia, un artista con la matita disegna i pannelli sequenziali sulla pagina, un artista dell'inchiostro ripassa la matita con penna e inchiostro, un letterista fornisce il dialogo e la narrazione a mano -lettering e, infine, un colorista aggiunge il colore come tocco finale prima che le pagine vengano inviate alla stampante.

Quando la stampante restituisce le pagine della grafica originale, in genere vengono restituite agli artisti stessi. Questi artisti a volte scelgono di vendere queste pagine alle convention di fumetti, nelle gallerie e nelle mostre d'arte incentrate sull'arte dei fumetti. Le pagine originali di DC e Marvel, che presentano le apparizioni di debutto di personaggi iconici come Superman, Batman, Wonder Woman, Flash, Captain Marvel, Spider-Man, the Incredible Hulk, Iron Man, Captain America e the Mighty Thor sono considerate come tesori inestimabili nel mondo dei fumetti.

Storia della razza nei fumetti statunitensi

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Molte delle prime iterazioni di personaggi neri nei fumetti "divennero variazioni della singola immagine stereotipata di Sambo[43]. Sambo era strettamente correlato allo stereotipo del procione ma presentava alcune sottili differenze. Sono entrambi un modo dispregiativo di rappresentare i personaggi neri. "Il nome stesso, un'abbreviazione di procione, è disumanizzante. Come nel caso di Sambo, il procione veniva ritratto come un pigro, facilmente spaventabile, cronicamente inattivo, inarticolato, buffone[44]. Inferiorità intellettuale della razza nera attraverso la cultura popolare[43]. Tuttavia, negli anni Quaranta ci fu un cambiamento nella rappresentazione dei personaggi neri. Uno sguardo superficiale... potrebbe dare l'impressione che la situazione fosse migliorata per gli afroamericani nei fumetti[43]. In molti fumetti prodotti in questo periodo ci fu una forte spinta alla tolleranza tra le razze. Questi eroi orientati all'uguaglianza iniziarono ad entrare in azione proprio quando agli afroamericani veniva chiesto di partecipare allo sforzo bellico[43].

Durante questo periodo, un programma gestito dal governo, The Writers' War Board, fu fortemente coinvolto in ciò che sarebbe stato pubblicato nei fumetti. The Writers' War Board utilizzava i fumetti per modellare la percezione popolare della razza e dell'etnicità...[45] Non solo utilizzavano i fumetti come mezzo per reclutare tutti gli americani, ma li utilizzavano anche come propaganda per costruire una giustificazione per l'odio razziale nei confronti dei nemici stranieri dell'America[45]. The Writers' War Board ha creato fumetti che avevano lo scopo di promuovere l'armonia razziale interna[45]. Tuttavia, "queste narrazioni pro-tolleranza hanno lottato per superare i cliché negativi popolari e ampiamente compresi utilizzati per decenni nella cultura di massa americana..."[45]. Tuttavia, non stavano realizzando questo programma in tutti i loro fumetti.

Nella serie a fumetti Captain Marvel Adventures, c'era un personaggio chiamato Steamboat che incarnava una raccolta di stereotipi altamente negativi prevalenti in quel periodo. Il Comitato di Guerra degli Scrittori non ha richiesto alcuna modifica a questo personaggio nonostante la rappresentazione problematica. La rimozione di Steamboat dalla serie è avvenuta solo grazie alla persistente difesa di un gruppo di giovani neri con sede a New York City[45]. "Originariamente la loro richiesta fu rifiutata dalle persone che lavoravano al fumetto affermando: Captain Marvel Adventures includeva molti tipi di caricature per amore dell'umorismo[45]. "Il gruppo di giovani neri ha risposto con questa non è la razza negra, ma il tuo milione e mezzo di lettori la penserà così.[45]" In seguito, Steamboat scomparve del tutto dai fumetti. Fu creato un fumetto sul 99° Squadrone, noto anche come Tuskegee Airmen, un'unità dell'aeronautica tutta nera. Invece di realizzare il fumetto sulla loro storia, il fumetto parlava di Hop Harrigan pilota bianco che cattura un nazista, gli mostra i video del 99° squadrone che sconfigge i suoi uomini e poi rivela al nazista che i suoi uomini sono stati sconfitti dagli afroamericani, cosa che lo fa infuriare poiché li vede come una razza meno superiore e non riesce a credere che abbiano battuto i suoi uomini ." Gli aviatori di Tuskegee e le immagini degli aviatori neri compaiono solo in tre dei cinquantatré pannelli... i piloti del 99° squadrone non hanno dialoghi e non interagiscono né con Hop Harrigan né con il suo prigioniero nazista.[45]" Durante questo periodo, usarono anche personaggi neri nei fumetti come mezzo per invalidare i gruppi militanti neri che lottavano per l'uguaglianza negli Stati Uniti. "Spider-Man ha chiarito che il potere nero militante non era il rimedio all'ingiustizia razziale.[43]" "The Falcon ha criticato apertamente il comportamento dei neri affermando che forse è importante per sic noi calmare le cose, così possiamo proteggere i diritti per cui abbiamo combattuto.[43]" Questa rappresentazione e lo sviluppo del carattere dei personaggi neri possono essere in parte attribuiti al fatto che, durante questo periodo, "raramente era stato ammesso un artista o uno scrittore nero in una grande compagnia di fumetti"[43].

I personaggi asiatici nei fumetti hanno subito un trattamento pregiudizievole simile a quello dei personaggi neri. Erano soggetti a rappresentazioni disumanizzanti, con narrazioni che spesso li ritraevano come "incompetenti e subumani"[45]. In un'edizione della pubblicazione nel 1944 United States Marines, c'era una storia intitolata The Smell of the Monkeymen. Questa narrazione ritraeva i soldati giapponesi come scimmie brutali e descriveva le loro posizioni nascoste tradite dal loro ripugnante odore corporeo[45]. I personaggi cinesi hanno ricevuto lo stesso trattamento. "Quando gli Stati Uniti entrarono nella Seconda Guerra Mondiale, la percezione negativa dei cinesi era una parte consolidata della cultura di massa....[45]" Tuttavia, preoccupati che i giapponesi potessero usare il materiale anti-cinese americano come propaganda, iniziarono "a presentare un un'immagine più positiva degli alleati cinesi dell'America...[45]" Proprio come hanno cercato di mostrare una migliore rappresentazione dei neri nei fumetti, hanno fatto lo stesso per gli asiatici. Tuttavia, "i personaggi giapponesi e filippini erano visivamente indistinguibili. Entrambi i gruppi hanno denti da cervo grotteschi, vestiti laceri e pelle giallo brillante." I personaggi asiatici erano precedentemente descritti come "orribili demoni gialli"[43]. Durante la seconda guerra mondiale, "ogni grande supereroe degno di questo spandex si dedicò allo sradicamento degli invasori asiatici". nel modo in cui i personaggi sarebbero ritratti.[43]"

"L'unica rappresentazione specifica di un supereroe ispanico[dubbio - discutiamo] non è finita bene. Nel 1975, la Marvel ci ha regalato Hector Ayala (alias La Tigre Bianca).[43]" "Sebbene abbia combattuto per diversi anni al fianco di personaggi del calibro di molti eroi più popolari come Spider-Man e Daredevil, durò solo sei anni prima che le vendite dei fumetti che lo raffiguravano diventassero così cattive che la Marvel lo fece ritirare.[senza fonte] Il personaggio ispanico più famoso è Bane, un'avversario di Batman.[43]"

La rappresentazione dei nativi americani nei fumetti "può essere riassunta nello stereotipo del nobile selvaggio[43]", "un tema ricorrente... spingeva gli indiani d'America ad abbandonare la loro tradizionale ostilità nei confronti degli Stati Uniti. Erano loro quelli dipinti come intolleranti e irrispettosi delle preoccupazioni dominanti dell'America bianca»[43].

Fumetti dell'Asia orientale

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Manga giapponesi

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Manga.

I manga sono fumetti o romanzo a fumetti originari del Giappone. La maggior parte dei manga è conforme a uno stile sviluppato in Giappone alla fine del XIX secolo, sebbene la forma d'arte abbia una lunga preistoria nell'arte giapponese precedente. Il termine "manga" è usato in Giappone per riferirsi sia ai fumetti che ai cartoni animati in generale. Al di fuori del Giappone, la parola è tipicamente usata per riferirsi ai fumetti originariamente pubblicati nel paese.

Dōjinshi

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Dōjinshi.

I dōjinshi, i fumetti giapponesi realizzati dai fan, operano in un mercato molto più ampio in Giappone rispetto al mercato americano dei "fumetti underground"; la più grande fiera dōjinshi, Comiket, attira 500.000 visitatori due volte l'anno[46].

Manhwa coreano

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Manhwa.

I manhwa sono fumetti o romanzo a fumetti originari della Corea del Sud. Il termine manhwa è usato in Corea del Sud per riferirsi sia ai fumetti che ai cartoni animati in generale. Al di fuori della Corea del Sud, il termine si riferisce solitamente ai fumetti originariamente pubblicati nel paese. Manhwa è fortemente influenzato dai fumetti Manga giapponesi sebbene differisca dai manga e dai manhua con le sue caratteristiche distinte.

Webtoon

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Webtoon.

I webtoon sono diventati popolari in Corea del Sud come un nuovo modo di leggere i fumetti. Grazie in parte a diverse regole di censura, colori ed effetti visivi unici e ottimizzazione per una lettura più semplice su smartphone e computer. Sempre più manhwa sono passati dal tradizionale manhwa stampato ai webtoon online grazie a una retribuzione migliore e a una maggiore libertà rispetto al tradizionale manhwa stampato. Il formato webtoon si è esteso anche ad altri paesi al di fuori della Corea come Cina, Giappone, Sud-est asiatico e paesi occidentali. I principali distributori di webtoon includono Lezhin, Naver e Kakao.

Manhua cinese

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Manhua.

Truyện tranh[47] vietnamita

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Fumetti vietnamiti.

Fumetti europei

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Fumetti europei.

Fumetti franco-belgi

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Bande dessinée.
 
René Goscinny (1926–1977), scrittore della serie di fumetti Asterix.

La Francia e il Belgio hanno una lunga tradizione nei fumetti e nei fumetti, spesso chiamati BDs (un'abbreviazione di Bandes Dessinées, che significa letteralmente "strisce disegnate")[48] in francese e strisce in olandese o fiammingo. I fumetti belgi scritti originariamente in olandese mostrano l'influenza dei fumetti francofoni "franco-belgi" ma hanno un loro stile distinto[Citazione necessaria]

Fumetti britannici

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Fumetto britannico.
 
Copertina dell'edizione del 27 dicembre 1884 di Ally Sloper's Half Holiday. Ally Sloper è considerato il primo personaggio ricorrente nei fumetti[49].

Sebbene Ally Sloper's Half Holiday (1884) fosse rivolto a un mercato adulto, gli editori presero rapidamente di mira un gruppo demografico più giovane, il che ha portato la maggior parte delle pubblicazioni ad essere per bambini e ha creato un'associazione nella mente del pubblico dei fumetti come in qualche modo giovanili. Il Guardian si riferisce ad Ally Sloper come "uno dei primi personaggi iconici dei cartoni animati del mondo" e "famoso nella Gran Bretagna vittoriana quanto lo sarebbe stato Dennis the Menace un secolo dopo"[50]. penny dreadfuls dell'era vittoriana (con Sweeney Todd, Dick Turpin e Varney the Vampire)[51].
Pubblicati per la prima volta nel 1830, i penny dreadful furono il primo assaggio in Gran Bretagna di cultura popolare prodotta in serie per i giovani.

 
Statua di Minnie the Minx, un personaggio di The Beano, a Dundee, in Scozia. Lanciato nel 1938, The Beano è noto per il suo umorismo anarchico, con Dennis the Menace che appare sulla copertina.

I due fumetti britannici più famosi, The Beano e The Dandy, furono pubblicati per la prima volta da DC Thomson negli anni 1930. Nel 1950 la diffusione settimanale di entrambi raggiunse i due milioni[52][53]. Spiegando l'enorme popolarità dei fumetti nel Regno Unito in questo periodo, Anita O'Brien, direttrice curatrice del Cartoon Museum di Londra, afferma: "Quando fumetti come Beano e Dandy furono inventati negli anni 1930 - e fino agli anni 1950 e 1960 - questi fumetti erano quasi l'unico intrattenimento disponibile per i bambini.[52]" Dennis the Menace è stato creato negli anni 1950, che ha visto le vendite di The Beano aumentare vertiginosamente[54] . Appare sulla copertina di The Beano, e la BBC lo definisce "il ragazzo cattivo per eccellenza del mondo dei fumetti"[54].

Nel 1954, i fumetti Tiger introdussero Roy of the Rovers, la popolarissima striscia basata sul calcio che raccontava la vita di Roy Race e della squadra per cui giocava, i Melchester Rovers. L'espressione comunemente usata dai media "vera roba da 'Roy of the Rovers'" è spesso usata da scrittori, commentatori e tifosi di calcio quando descrivono dimostrazioni di grande abilità, o risultati sorprendenti che vanno contro ogni previsione, in riferimento alle trame drammatiche che erano le scene della striscia. marchio di fabbrica[55]. Fiorirono anche altri fumetti come Eagle, Valiant, Warrior, Viz e 2000 AD. Alcuni fumetti, come Judge Dredd e altri titoli del 2000 AD, sono stati pubblicati in formato tabloid. Nel Regno Unito sono apparsi anche fumetti underground e titoli della "piccola stampa", in particolare Oz ed Escape Magazine.

Il contenuto di Action, altro titolo rivolto ai bambini e lanciato a metà degli anni 1970, divenne oggetto di discussione alla Camera dei Comuni. Sebbene su scala minore rispetto a indagini simili negli Stati Uniti, tali preoccupazioni hanno portato a una moderazione dei contenuti pubblicati nei fumetti britannici. Tale moderazione non si è mai formalizzata al punto da promulgare un codice, né è durata a lungo. Il Regno Unito ha inoltre creato un mercato sano nella ristampa e nel riconfezionamento di materiale, in particolare materiale originario degli Stati Uniti. La mancanza di forniture affidabili di fumetti americani portò a una varietà di ristampe in bianco e nero, inclusi i fumetti dei mostri della Marvel degli anni 1950, Capitan Marvel di Fawcett e altri personaggi come Sheena, Mandrake il Mago e Uomo mascherato. Diverse società di ristampa furono coinvolte nel riconfezionamento di materiale americano per il mercato britannico, in particolare l'importatore e distributore Thorpe & Porter. La Marvel Comics ha aperto un ufficio nel Regno Unito nel 1972. Anche la DC Comics e la Dark Horse Comics hanno aperto uffici negli anni 1990. Il riconfezionamento del materiale europeo è avvenuto meno frequentemente, sebbene i periodici Le avventure di Tintin e Asterix siano stati tradotti e riconfezionati con successo in libri con copertina morbida. Il numero di fumetti europei disponibili nel Regno Unito è aumentato negli ultimi due decenni. La società britannica Cinebook, fondata nel 2005, ha pubblicato versioni tradotte in inglese di molte serie europee.

Negli anni 1980, una rinascita di scrittori e artisti britannici guadagnò importanza nei fumetti tradizionali, cosa che fu soprannominata la )British Invasion nella storia dei fumetti[56]. Questi scrittori e artisti portarono con sé temi e filosofie mature come l'anarchia, le controversie e la politica comuni nei media britannici. Questi elementi aprirebbero la strada a fumetti maturi, "più oscuri e spigolosi" e darebbero il via all'era moderna dei fumetti. Gli scrittori includevano Alan Moore, famoso per V per Vendetta, From Hell, Watchmen, Marvelman e The League of Extraordinary Gentlemen[57]; Neil Gaiman con The Sandman mythos e Books of Magic; Warren Ellis, creatore di Transmetropolitan e Planetary; e altri come Mark Millar, creatore di Wanted e Kick-Ass. La serie di fumetti John Constantine, Hellblazer, ambientata in gran parte in Gran Bretagna e interpretata dal mago John Constantine, ha aperto la strada a scrittori britannici come Jamie Delano[58].

Il musicista inglese Peter Gabriel ha pubblicato nel 2000 The Story of OVO che è stato pubblicato in un fumetto a forma di CD-booklet come parte dell'edizione in CD con il titolo "OVO The Millennium Show". Il Millennium Dome Show del 2000 è basato su di esso[59]. A Natale, gli editori riconfezionano e commissionano materiale per annuali di fumetti, stampati e rilegati come libri in formato A4 con copertina rigida; "Rupert" fornisce un famoso esempio dell'annuale comico britannico. DC Thomson riconfeziona anche le strisce di The Broons e Oor Wullie in libri in formato A4 con copertina morbida per le festività natalizie.

Il 19 marzo 2012, il servizio postale britannico, la Royal Mail, ha rilasciato una serie di francobolli raffiguranti personaggi e serie di fumetti britannici[60]. La collezione comprendeva The Beano, The Dandy, Eagle, The Topper, Roy of the Rovers, Bunty, Buster, Valiant, Twinkle e 2000 AD[60].

Fumetti spagnoli

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Fumetto spagnolo.

È stato affermato che le Cantigas de Santa Maria del XIII secolo potrebbero essere considerate il primo "fumetto" spagnolo, sebbene i fumetti (noti anche in Spagna come historietas o tebeos) fecero il loro debutto intorno al 1857. La rivista TBO fu influente nel rendere popolare il medio. Dopo la guerra civile spagnola, il regime franchista impose una severa censura su tutti i media: i fumetti di supereroi furono proibiti e, di conseguenza, gli eroi dei fumetti furono basati su romanzi storici (nel 1944 l'eroe medievale El Guerrero del Antifaz fu creato da Manuel Gago e un altro popolare eroe medievale, Capitán Trueno, è stato creato nel 1956 da Víctor Mora e Miguel Ambrosio Zaragoza). Due case editrici, Editorial Bruguera e Editorial Valenciana, dominarono il mercato spagnolo dei fumetti durante il suo periodo d'oro (1950-1970). I fumetti più popolari mostravano uno stile riconoscibile di umorismo slapstick (influenzato da autori franco-belgi come Franquin): Carpanta e Zipi y Zape di Escobar, Las hermanas Gilda e Anacleto di Vázquez, Mortadelo y Filemón e 13, Rue del Percebe di Ibáñez o Superlópez di Jan. Dopo la fine del periodo franchista, ci fu un crescente interesse per i fumetti per adulti con riviste come Totem, El Jueves, 1984 e El Víbora, e opere come Paracuellos di Carlos Giménez.

Gli artisti spagnoli hanno tradizionalmente lavorato in altri mercati riscontrando grande successo, sia in quello americano (ad esempio, i vincitori del Premio Eisner Sergio Aragonés, Salvador Larroca, Gabriel Hernández Walta, Marcos Martín o David Aja), sia in quello britannico (ad esempio, Carlos Ezquerra, co-creatore del Giudice Dredd) o quello franco-belga (ad esempio, il vincitore del Fauve d'Or Julio Ribéra o gli autori di Blacksad Juan Díaz Canales e Juanjo Guarnido).

Fumetti italiani

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Storia del fumetto italiano.
 
Hugo Pratt (1927–1995), autore della serie di fumetti Corto Maltese.

In Italia, i fumetti (noti in italiano come fumetti) hanno debuttato come strisce umoristiche alla fine del XIX secolo, per poi evolversi in storie d'avventura. Dopo la seconda guerra mondiale, tuttavia, artisti come Hugo Pratt e Guido Crepax esposero i fumetti italiani a un pubblico internazionale. I fumetti popolari come Diabolik o la linea Bonelli, ovvero Tex Willer o Dylan Dog, rimangono dei best-seller[61].

I fumetti tradizionali vengono solitamente pubblicati su base mensile, in un formato digest in bianco e nero, con circa 100-132 pagine. Sono comuni anche raccolte di materiale classico per i personaggi più famosi, solitamente con più di 200 pagine. I fumetti d'autore sono pubblicati nel formato francese BD, un esempio è Corto Maltese di Pratt.

I fumettisti italiani mostrano l'influenza dei fumetti di altri paesi, tra cui Francia, Belgio, Spagna e Argentina. L'Italia è anche famosa per essere uno dei principali produttori di storie a fumetti di Walt Disney al di fuori degli Stati Uniti; L'alter ego del supereroe Paperino, Paperinik, conosciuto in inglese come Superduck, è stato creato in Italia.

Fumetti in altri paesi

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  Lo stesso argomento in dettaglio: Lista dei fumetti per paese.

Distribuzione

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L'industria dei fumetti ha lottato con problemi di distribuzione nel corso della sua storia, poiché numerosi rivenditori tradizionali hanno esitato a immagazzinare quantità sostanziali dei fumetti più accattivanti e ricercati. Lo smartphone e il tablet si sono rivelati un mezzo ideale per la distribuzione online[62].

Distribuzione digitale

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Il 13 novembre 2007, la Marvel Comics ha lanciato Marvel Digital Comics Unlimited, un servizio in abbonamento che consente ai lettori di leggere online molti fumetti della storia della Marvel. Il servizio prevede anche l'uscita periodica di nuovi fumetti non disponibili altrove. Con l'uscita di Avenging Spider-Man n. 1, la Marvel è diventata anche il primo editore a fornire copie digitali gratuite come parte della copia cartacea del fumetto[63].

Con la crescente popolarità di smartphone e tablet, molti importanti editori hanno iniziato a pubblicare titoli in formato digitale. La piattaforma più popolare è comiXology. Alcune piattaforme, come Graphicly, sono state chiuse.

Collezioni dei fumetti nelle biblioteche

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Numerose biblioteche ospitano vaste collezioni di fumetti sotto forma di graphic novel. Ciò costituisce un mezzo conveniente per consentire al grande pubblico di familiarizzare con il mezzo[64].

Guinness dei primati

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Nel 2015, l'artista manga giapponese Eiichiro Oda è stato insignito del titolo di Guinness World Records per aver "Maggior numero di copie pubblicate per la stessa serie di fumetti da un singolo autore". La sua serie manga One Piece, che scrive e illustra, è stata serializzata sulla rivista giapponese Weekly Shōnen Jump dal dicembre 1997 e nel 2015 sono stati pubblicati 77 volumi. Il Guinness World Records ha riportato nel suo annuncio che i volumi raccolti della serie hanno venduto un totale di 320.866.000 unità. One Piece detiene anche il titolo del Guinness World Records per "La maggior parte delle copie pubblicate per la stessa serie manga"[65].

Il 5 agosto 2018, il titolo del Guinness World Records per il "più grande fumetto mai pubblicato" è stato assegnato al fumetto brasiliano Turma da Mônica — O Maior Gibi do Mundo!, pubblicato da Panini Comics Brasil e Mauricio de Sousa Produções. Il fumetto misura 69,9 x 99,8 cm (2 piedi 3,51 pollici per 3 piedi 3,29 pollici). Il fumetto di 18 pagine ha avuto una tiratura di 120 copie[66].

Con la pubblicazione nel luglio 2021 del ventunesimo volume della sua serie manga Golgo 13, l'artista manga giapponese Takao Saitō è stato insignito del titolo del Guinness World Records per "La maggior parte dei volumi pubblicati per una singola serie manga"[67]. Golgo 13 è stato serializzato ininterrottamente sulla rivista giapponese Big Comic dall'ottobre 1968, il che lo rende anche il manga più antico ancora in pubblicazione[68][69].

Note

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